Hse art and
design news

Казумасе Нагаи в этом году исполнилось 92 года. За долгую творческую жизнь он создал огромное количество плакатов — по его подсчетам, около тысячи. Работы, посвященные животным, занимают особое место в творчестве дизайнера. Нагаи придает зверям, рыбам и птицам нарочито упрощенные формы, благодаря чему изображения обретают вневременной символизм.

30 июля исполнилось 50 лет со дня смерти одного из самых оригинальных дизайнеров Италии — Чезаре Коломбо, более известного под прозвищем Джо. Лидер арт-группы «Мемфис» Этторе Соттсас считал, что он был единственным из итальянских дизайнеров, который осознал, что мир изменился в конце 1950-х. Наступал новый век — космический, и Коломбо был пророком его.

Грете Ялк не всегда везло — несмотря на высокие оценки профессионалов, не все ее работы выпускались крупными тиражами, а некоторые и вообще не поступали в производство. Тем не менее, ее мебель — как традиционная, так и модернистская — остается важной вехой в развитии мебельного искусства. Не менее значителен и ее вклад как просветителя и историка дизайна.

Японский дизайнер сотрудничал с модельерами и промышленными компаниями; был арт-директором; курировал и оформлял многочисленные выставки; был плакатистом, мастером книжной графики, создателем логотипов... О биографии Икко Танаки и одной из граней его творчества — искусстве плаката — рассказывает российский искусствовед и дизайнер Сергей Иванович Серов.

Чуть больше года назад, 26 июня 2020 года, в свой 91-й день рожденья ушел из жизни легендарный графический дизайнер Милтон Глейзер. Отдавая дань памяти мастера, мы публикуем большое интервью, данное им незадолго до смерти. В нем он рассказывает не только о своем творческом пути, но и о своих взглядах на жизнь и творчество, о методах работы с заказчиком и многом другом.

Коре Клинт, в отличие от многих современников, испытывавших тягу к революционным преобразованиям во многих сферах жизни, уважительно относился к классическому наследию. Его творчество стало связующим звеном как между ручным и машинным производством, так и между традицией и новаторством. Однако, его не стоит считать консерватором: именно Клинт, задолго до Корбюзье, начал строить окружающее человека пространство с учетом пропорций его тела. Возможно, именно из-за акцента на функционализме многие предметы, созданные Клинтом, производятся до сих пор. Среди них и первая его значительная работа — кресло Faaborg, датированное 1914 годом.

Карло Моллино родился в 1905 году. Ровно 100 лет спустя стол, созданный им для дома Orengo был продан на аукционе Christie’s за 3,8 миллиона долларов, установив рекорд для предметов мебели ХХ века. Помимо дизайна мебели Моллино занимался архитектурой, писал философские статьи, театральные и кинорецензии. Столь же разнообразен был и спектр его хобби — автогонщик, летчик, горнолыжник, фотограф...

Арне Якобсен был человеком многих талантов, в силу чего ему трудно было выбрать специализацию. Его называют отцом современного датского дизайна и одновременно — ведущим представителем функционализма в архитектуре. В юности Якобсен превосходно рисовал, но по настоянию родителей выбрал более практичную профессию архитектора. Тем не менее, за свою карьеру он спроектировал более 300 предметов индустриального дизайна.

В 1950-60-е годы в графическом дизайне ведущие позиции занимала «правильная» типографика: минимализм, модульная сетка, строгость и порядок. Таковы были черты «швейцарского международного стиля», который довел до логического завершения идеи конструктивизма 1920-30-х годов. Но после двух десятилетий безраздельного господства функционализм и рациональность международного стиля были подвергнуты сомнению. И «предатель» появился не где-нибудь, а на родине течения — в швейцарском Базеле. Звали его Вольфганг Вайнгарт.

Работы Таданори Йокоо стерли грань между концептуальным искусством и графическим дизайном. Его плакаты раздражали, провоцировали, показывая то, что хотела бы забыть потерпевшая поражение и униженная Япония. Его творчество стало визуальным воплощением контркультуры 1960-х, точно и едко отразив дух времени.

Школа Баухаус была образована в 1919 году в Веймаре, но спустя 6 лет была переведена в город Дессау. Здесь было выстроено не только главное здание самой школы, которое, по оценке доктора искусствоведения Н.К. Соловьева «можно считать манифестом архитектурного функционализма», но и дома для преподавателей — основателя Баухауса Вальтера Гропиуса, Пауля Клее, Василия Кандинского и других. В 1996 году весь комплекс был включен в список Всемирного наследия ЮНЕСКО.

«Тапиоваара создал концепцию IKEA до IKEA — хорошее качество по доступной цене и та же самая идея массового производства», — так несколько лет назад сказал о своем соотечественнике директор Музея дизайна Хельсинки Юкка Саволайнен. Финский дизайнер предлагал именно то, в чем после Второй Мировой войны отчаянно нуждалась разрушенная Европа. Он проектировал мебель массовую и недорогую, к тому же удобную в транспортировке и складировании. И при этом — эстетичную, о чем, помимо коммерческого успеха, говорят и многочисленные профессиональные награды.

Луиджи Колани был, возможно, самым оригинальным автомобильным дизайнером в истории. Он изучал не только искусство, но и аэродинамику, чем могут похвастаться далеко не все автомобильные стилисты. Но искусство и науку он соединял удивительным и непредсказуемым образом. Вместо аскетичных и строгих обтекаемых форм — причудливые изгибы и выпуклости, напоминающие скорее об обитателях океанских глубин, чем о современной технике.

Его жизнь — как авантюрный роман. Детство в обеспеченной семье, юношеское увлечение живописью и мечта об Императорской Академии Художеств. В 16 лет — бегство из дома на фронты Первой Мировой. Участие в Гражданской войне на стороне белых, эмиграция в Париж. Возобновление занятий живописью и победа на одном из конкурсов над самим Пикассо. В 32 года — переезд в США и в течение четверти века работа арт-директором в журнале Harper’s Bazaar, где Бродович полностью изменил тогдашние представления о дизайне печатных изданий. И все это лишь малая часть его насыщенной событиями биографии.

Армину Хофманну в этом году исполнилось 100 лет. Он уже не работает и не преподает, но по-прежнему получает награды. Из последних — медаль от Американской Ассоциации Дизайнеров в 2011 году и Гран-При Дизайна от швейцарского Бюро по культуре в 2013. Его работы выставлены в крупнейших музеях — МоМА (Музее современного искусства), Смитсоновском и других. А кроме того, он по праву может гордиться множеством учеников, которые стали не только известными дизайнерами, но, как и он сам — преподавателями.

Живого классика финского дизайна всегда отличали богатая фантазия и любовь к искусственным материалам — пластику и стеклопластику. Став одним из пионеров их использования, он и спустя десятилетия не отказался от своей привязанности, несмотря на нынешнюю неоднозначную репутацию пластмасс. Поразив публику в начале карьеры лаконичными шарообразными креслами Ball и Bubble, Аарнио затем пустился в цветовые и геометрические эксперименты. Для его мебели характерны яркие цвета, причудливые, но вместе с тем выверенные формы и сильно выраженный игровой элемент.

Выдающийся представитель советского авангарда Эль Лисицкий работал во многих областях — фотографии, архитектуре, книжной графике. После революции Лисицкий стал ревностным приверженцем Советской Власти, твердо уверовав в ее идеалы и в роль художника в новом обществе. Он создавал многочисленные агитационные материалы, в числе которых и не изданная при его жизни детская книжка «4 (арифметических) действия». Она учила детей не только и не столько арифметике, сколько принципам Новой Жизни — коллективизму и взаимопомощи. О необычном графическом исполнении книги рассказывает в своей статье Михаил Карасик.

В 1950-х химики научились создавать широкий спектр полимерных материалов с различными свойствами. Корпорация «Монсанто Кемикал» искала рынок сбыта для недавно полученных конструкционных пластмасс, и с этой целью построила дом из пластика. Его заметили в компании «Уолт Дисней» и сделали из него аттракцион для «Диснейленда». Привлеченные новыми технологиями, только за первые два месяца его посетил более полумиллиона человек. А за 10 лет его существования — более 20 миллионов.

Бруно Матссон — самый известный шведский дизайнер мебели. Его первые опыты в модернизме не произвели впечатления на родине, но выставка 1936 года в Гетеборге делает его знаменитым. За ней следуют выставки в Париже и в Музее современного искусства в Нью-Йорке. На волне успеха Матссон неожиданно оставляет проектирование мебели и переключается на архитектуру. В 1960-х он возвращается к истокам и продолжает плодотворно трудиться почти до 80 лет. Его творческое наследие огромно, а созданная им мебель продолжает выпускаться и пользоваться успехом по сей день.

Появившись на свет в начале 20-го века, футуризм оказал мощнейшее воздействие на все сферы искусства. Не только на живопись, архитектуру, поэзию, но, в том числе, и на типографику. Поэты-футуристы презрели строгие правила красивого набора и создавали, то, что получило название «типограмм». Тексты набирались множеством гарнитур, начертаний, разным кеглем — благодаря этому по-разному акцентировались отдельные слова и фразы. О влиянии футуризма на типографику, о различии между методами итальянских и русских футуристов, об особенностях набора текстов рассуждает в своей статье Михаил Карасик.

Легендарный итальянский дизайнер получил классическое архитектурное образование. Он знал, что такое гармония и соразмерность, но на протяжении почти всей жизни сознательно пренебрегал классическими принципами. Его дизайн нередко был вызывающим, китчевым, бросавшим вызов хорошему вкусу. Но это не был бунт ради бунта. Соттсасс и его соратники не отменяли функционализм, но расширяли его границы, наполняя предметы эмоциональным содержанием.

«В дизайне необходимо сочетать 30% достоинства, 20% красоты и 50% абсурда», — так описывал дизайнер, плакатист, художник, скульптор, мастер оптических иллюзий Сигео Фукуда свой творческий метод. Показывая привычные образы с непривычных точек зрения, его работы вызывают у зрителя когнитивный диссонанс, «мгновенное просветление» — по принципу дзен-буддийских коанов. Фукуда — автор 1500 плакатов, в которых соединились традиции японской графики и современного авангарда.

«В нашей профессии слишком много серьезного. Один из моих секретов заключается в том, что я все время смеюсь», — любил говорить итальянский дизайнер Акилле Кастильони. Все объекты, над которыми он трудился — светильники, столовые приборы, мебель и многое другое — он старался сделать так, чтобы они радовали глаз и одним своим видом улучшали настроение.

Уильям Кэкстон первым стал печатать книги на территории Британии. Будучи по основному роду деятельности торговцем, книгопечатанием он занялся уже на склоне лет: в 1476 году, когда он открыл типографию в Вестминстере, ему было 54 года. За оставшиеся ему 15 лет жизни он успел издать более 100 книг, создать несколько шрифтов и внести неоценимый вклад в популяризацию английского языка в мире.

Хельмут Шмид учился дизайну в Швейцарии в 1960-х годах у таких мастеров как Эмиль Рудер и Армин Хоффман. Оставшись последователем Рудера, он доводит его идеи до абсолюта. Минимализм, внимание к малейшим деталям, практически полный отказ от всех цветов, кроме черного и белого — таков его творческий почерк. Его стиль был высоко оценен не только в Европе, но и в Японии, где он работал много лет.

Когда в 1919 году 26-летний француз Раймон Леви отправился в США, в его кармане было 50 долларов, а в послужном списке — лишь участие в Первой Мировой. Через 10 лет он выполняет первую значимую работу в области промдизайна, а за последующие 50 лет осуществляет сотни проектов в различных областях, сделавших его имя легендой и символом дизайнерского искусства.

Эмиль Рудер требовал раздвинуть горизонты возможного в типографике, искал новые пути и не желал ограничиваться ставшим модным швейцарским течением. Он считал, что типографика — неотъемлемая часть культуры, и ставил ее на одну ступень с архитектурой, живописью и музыкой.

«Главная цель моей работы — побудить людей включить воображение», — говорил датский дизайнер Вернер Пантон. Его эксцентричный стиль в свое время воспринимался как провокационный и несерьезный. Он экспериментировал и с мебелью, и с ландшафтом, создавая новые формы и стремясь вовлечь в свою игру окружающих.

Чарльза Имза и Рэй Имз (урожденную Бернис Кайзер) объединял не только счастливый брак, но и совместное творчество. Познакомившись в 1940 году во время обучения в Академии Крэнбрук, через год они поженились. Начав с дизайна мебели, супруги проявили себя и в массе других областей — кинематографе, фотографии, архитектуре, просветительской деятельности.

Его фамилия в переводе с финского означает «волна» — и волна видна в некоторых его работах. Но творческое наследие Аалто гораздо шире, чем использование только «органической» архитектуры. Он выработал собственный стиль, сочетающий органику, функционализм и национальные традиции.

Около 100 лет назад Виктор Шкловский ввел в оборот термин «остранение» для обозначения, по его выражению, приема «затрудненной формы, увеличивающей трудность и долготу восприятия, так как воспринимательный процесс в искусстве самоцелен и должен быть продлен». Этот прием должен вывести читателя «из автоматизма восприятия», сделав для этого предмет восприятия непривычным. Графический дизайнер из Нидерландов Ян ван Торн перенес этот принцип с чистого искусства на тиражный дизайн и отстраняет свои вещи (делает странными) как в части их оформления, так и иллюстрирования.

Для выпуска о дизайне, который подготовили в SberKnowledge, информационно-аналитическом издании Сбербанка, коллектив авторов Школы дизайна согласился ответить на вопросы каким образом дизайн меняет мир, почему дизайн важен для современной экономики и как так получилось.