Пять выставок об одежде: телесный опыт, социальные проблемы и поиск идентичности

В общепринятом представлении выставки о моде — это коллекция костюмов, отражающих эпоху, культуру или личность. Рассматривая наряды в витринах, мы восхищается необычными тканями, кропотливым ручным трудом, старинным кроем и полетом фантазии дизайнера. Но поразить красотой — не единственная задача, которую могут решать выставки, главным действующим лицом которых является одежда. На примере пяти выставок Светлана Сальникова демонстрирует сколь разные истории о нашем обществе могут поведать костюмы и аксессуары в музейных пространствах.

В руках кураторов современного искусства предметы одежды и работы художников, использующих одежду как медиум, становятся нитями, из которых они ткут полотно, отражающие происходящие с нами перемены, предлагая критически взглянуть на них. Положение мигрантов, отношения между полами или восприятие собственного тела — вот только часть вопросов, которые может отразить одежда в художественном произведении, создавая гаптический эффект и помогая посетителям выставки почувствовать связь с проявленной художником проблемой. Предметы повседневной одежды, знакомые каждому, позволяют придать персональному опыту художника социальное измерение, превращая личную историю в абстрактное явление, по-своему отзывающееся в сердце каждого посетителя [1].

В пространстве выставки не только сами работы художников имеют значение, но и то, в какой контекст куратор их помещает. Расставляя их в определенном порядке, куратор создает связи между работами, позволяющие проявить дополнительный слой вопросов. Заполняя пространство, куратор выстраивает повествование, предлагает особенную оптику [2]. Добавляя предметы из архивов музеев, фото, видео он формирует контекст, где одежда предстает перед нам не как исторический костюм, а как текстильное отражение идеи выставки.

В этой статье, анализируя пять выставок разных лет, мы рассмотрим какие темы поднимают кураторы с помощью одежды и как взаимодействие художественных работ в пространстве музея помогает правильно расставить акценты.

MOMA, Нью-Йорк, 1945 / Куратор: Бернард Рудофски

Выставка «Are clothes Modern?» открылась в Музее Современного Искусства в Нью-Йорке в 1945 году. Задавая вопросы о симметричности тела, практиках тейлоринга и привычных деталях одежды, которую мы носим, кураторы ставят под сомнение наше очевидное представление о повседневном костюме. Тем не менее, проходя пространство выставки от начала до конца, посетитель не находит ответы, но убеждается в абсурдности и даже вредности некоторых устоявшихся клише.

Например, почему красивое полотно ткани разрезается на куски при шитье платья? Несколько исторических костюмов и традиционных предметов одежды, а также четыре современных экземпляра показывают возможности дизайна, основанного на безотходном использовании материала.

Как выглядела бы стопа человека, если бы обувь на каблуках повторяла ее анатомические особенности? Специально вылепленные для выставки фигуры давали представление о том, для какого тела шьется одежда и обувь, которую мы носим каждый день. Почему повседневная обувь симметрична, если стопы — нет?

Внимательное изучение деталей одежды создает понимание, что повседневная одежда не всегда заботится о теле, но является результатом исторически сложившихся культурных практик, под которые мы подстраиваем наши тела, часто даже этого не осознавая.

МОМА, Нью-Йорк, 2018. Куратор: Паола Антонелли

Через 73 года в том же MOMA открылась выставка «Items: is fashion modern», представляющая 111 моделей одежды и аксессуаров, которые оказали влияние на мир в XX и XXI веках и продолжают оставаться актуальными сегодня. Маленькое черное платье, жемчужное ожерелье, сари, кипа и джинсы Levi’s 501 модели — эти и другие предметы, снабженные лаконичными экспликациями, представлены в просторных залах музея сами по себе, без дополнительных разъяснений.

Предметы сгруппированы так, чтобы показать их взаимосвязь с функциональностью, культурными и политическим явлениями, развитием технологий. Белые стены при отсутствии отвлекающих видео, фотографий и текстов перенаправляют внимание посетителя выставки с контекста, в котором мы живем и носим одежду, на то, что сама одежда своим дизайном может отражать, поддерживать и создавать этот контекст.

MOMA, Нью-Йорк, 1993 / Куратор: Фереште Дафтари

Небольшая выставка «Project 40: Readymade Identities», проходившая в MOMA в 1993 году, использует одежду как один из слоев проявления идентичности, высвечивая гендерные, культурные и социальные проблемы.

Шесть проектов, три зала — и посетитель выходит с десятком вопросов к устройству повседневности. Куратор Фереште Дафтари представляет показ «готовых, но неудобных личностей», выбирая работы художников, «которые остро осознают, что наш выбор определяется социальными и историческими проектами, над которыми у нас может быть мало осознанного контроля».

Первый зал с инсталляцией Фреда Уилсона, где четыре манекена одеты в форму музейных охранников, и скульптурой Джона Армледера «Без названия (Мебельная скульптура)», комментирует публичный образ мужчин.

Природа отношений между мужчиной и женщиной во втором зале изображается с помощью «Сухой химчистки V» Сьюзан Эткин (1988), «Натюрморта» Энн Гамильтон (1988) и работы «Цвета толпы» Маурицио Пеллегрина (1991). Воздушная и соблазняющая красота прозрачной одежды на вращающейся в запрограммированном танце стойке химчистки Сьюзан Эткин противопоставляется натюрморту из 800 вручную выглаженных, накрахмаленных, позолоченных и аккуратно уложенных на столе мужских рубашек Энн Гамильтон, которые обнажают двойственность домашней рутины, одновременно изнуряющей и возвышающей отношения в паре. Между ними на стене — работа Маурицио Поллегрина «Цвета толпы». Это ряд ярких сложенных в коробки галстуков — патриархальных символов, которые будто игриво завлекают прозрачную красоту платьев Эткин в позолоченную домашнюю тюрьму Гамильтон.

Третий зал выставки комментирует мир мусульманских женщин, объединяя публичное и приватное пространства, представленные в первом и втором залах. Манекены в инсталляции Сони Баласанян «Другая сторона II» (1993) одеты в чадру и расположены за прожекторами, яркий свет которых, направленный на посетителя, буквально и символически стирает их из поля зрения.

MOMA, Нью-йорк, 2001 / Кураторы: Франческо Бонами, Мария Луиза Фриза, Стефано Тончи

Через дизайн одежды и украшений, рекламу и иллюстрации, комиксы и фильмы, созданные в период от Второй мировой войны до сегодняшнего, дня выставка «Uniform: order and disorder» рассказывает о влиянии военной униформы на современную моду и искусство. Работы 33 художников переплетаются с произведениями 31 дизайнера, создавая полотно смыслов, с помощью которых мифологизируется образ человека в военной форме. Фотографии, видео, одежда и аксессуары создают тотальную инсталляцию, где уже невозможно провести границу между повседневной жизнью и военным плацдармом.

Garage, Москва, 2018 / Кураторы: Ярослав Воловод, Валентин Дьяконов, Екатерина Лазарева

На выставке «Ткань процветания», проходившей в Московском Музее Современного Искусства Garage в 2018 году были собраны работы художников, которые используют одежду как медиум для проявления проблем современного мира — от положения мигрантов до гуманитарных и экологических катастроф. За названием выставки кураторы обратились к трактату английского философа Иеремии Бентама «Введение в основания нравственности и законодательства» [3]. В основе его «принципа полезности» лежит понимание того, что человечеством управляет две неодолимых силы: боль и удовольствие. На этой основе с помощью разума и закона Бентам предлагает сплести «ткань процветания» справедливого и счастливого общества [4].

География художников, отобранных кураторами для выставки, основанная на «шелковых путях» XXI века — «глобальных маршрутах и производственных циклах сырья, ткани и готовой одежды» [6] — будто проводит параллель с причинами возникновения социальных и экологических катастроф, намекая на то, что в условиях глобального капитализма идеи Бентама кажутся наивными и требущими ревизии. Темы, которые поднимают кураторы, объединяют работы художников из разных стран и поколений, создавая пары и уравнивая художественные практики перед глобальными вопросами.

Видео, фотографии, одежда и инсталляции так плотно заполняют все пространство выставки, создавая сеть из одежды и транслируемых ей образов, что заданные художниками вопросы и поднятые проблемы нависают над посетителем как тонны одежды на вешалках магазина масс-маркет бренда.

***

Одежда, которую мы носим, становится не только отражением нашей индивидуальности и эпохи в целом, но и сохраняет память о прожитых моментах, радостных и травмирующих. Эти эмоции индивидуальны, но за счет укорененности в определенном времени и пространстве одежда «встроена в систему связей, соединяющих нас с другими людьми» [5]. Художники, перенося одежду в область искусства, показывают изнанку жизни и проблемы, скрывающиеся в ее складках. Кураторы, используя возможности пространства музея, создают выставочный нарратив, расставляют акценты и предлагают посетителю задуматься о том, как повседневная одежда с течением времени способна словно на ткацком станке проявлять орнамент полотна глобального социума.

Литература:

1. Sabancilar D. Bireisel Ve toplumsal hafizanin sanat eserleri̇nde «kiyafet» araciliğI İle kurgulanmasi: gülsün karamustafa ve gülçİn aksoy // Sanat ve Tasarım Dergisi. — 2016. — №. 18. — С. 133-145.
2. Миронова Т. Ю. Проблема репрезентации истории: современное искусство в музеях совести // Вестник РГГУ. Серия: Литературоведение. Языкознание. Культурология. — 2020. — №. 8. — С. 116-132.
3. Абрамова, О. «Узелки на изнанке». Arterritory.com. Сохранено 7-03-2023. [URL] https://arterritory.com/ru/vizualnoe_iskusstvo/recenzii/22949-uzelki_na_iznanke/
4. Crimmins, J. E. (2021). Jeremy Bentham. In E. N. Zalta (Ed.) // «The Stanford Encyclopedia of Philosophy» (Winter 2021). Metaphysics Research Lab, Stanford University.
5. Одабаши С. Скрытые возможности текстиля: как он обнаруживает и исцеляет травмы? // Теория моды: одежда, тело, культура. — 2022. — №. 3. — С. 96-106.
6. «Узелки на изнанке»