Марина Тимофеева: «Студенты — это отдельная каста, которая прекрасна везде»

В 2025 году к команде петербургского профиля «Дизайн одежды» Школы дизайна НИУ ВШЭ присоединилась Марина Тимофеева — автор программ, формирующих современный подход к обучению дизайнеров одежды, и преподаватель направления «Мода» в московской Школе. Мы поговорили о разных поколениях студентов, врождённых талантах, первых впечатлениях от Северной столицы, локальной идентичности и о том, как меняются подходы к модному образованию.

В детстве я не мечтала быть дизайнером, но всегда жила в собственном творческом мире. Судьбоносным стало открытие в Омске Института сервиса (сегодня ОмГТУ — прим. ред.). Свою преподавательскую карьеру после окончания учёбы я начала там же, на кафедре дизайна костюма. За годы преподавания, подготовки студентов к международным выставкам и конкурсам и публикаций я получила звание доцента, а затем профессора.

Вопрос не только в том, чем обладает студент, но и в том, как он этим будет пользоваться. Когда я стала наблюдать за своими первыми выпускниками, которые не остались в Омске, а поехали в Москву, я вывела формулу из трёх составляющих, которую назвала «Формулой самодостаточности функционирования творческой личности». Она помогает понять, как и почему кто-то добивается успеха и выживает в профессии, а кто-то, покидая творческую среду университета, не справляется, при том, что все они талантливы и прекрасны по-своему.

Из трёх критериев в этой формуле два — метафора, а один — реальный объект.

Первый — это «лампочка». Это энергия, которая движет работой любого дизайнера. Ведь 99% профессии — это работа, работа, работа, и только один — свет софитов, подиум, журналы, которые запомнили твою работу и что-то написали.

Второй — «музыка». Творческая интуиция, которая помогает предчувствовать веяния, становиться первопроходцем и смело экспериментировать.

И третий — это «голова». Из трёх критериев именно этот не метафора, а то, что реально есть или нет у творческой личности. Это умение думать, рационализировать, логически мыслить, составлять цепочки. Новое поколение дизайнеров прекрасно владеет мышлением, управляет смыслами, это очень философски настроенное поколение. Не уверена, что мы были такими взрослыми, мыслили так тонко и глубоко, как ребята, которые учатся сейчас. Может быть, просто взрослые нам не доверяли и не говорили с нами на взрослые темы.

И если эти три вводные — музыка, лампочка и голова — есть в человеке в примерно равных пропорциях, то человек может и создать собственный бренд, и вписаться в любой другой как самодостаточная творческая единица. А если непропорционально, то всегда можно создать команду, в которой участники будут компенсировать и дополнять эти качества.

Когда я пришла преподавать в Школу дизайна в Москве в 2017 году, то увидела здесь два ключевых отличающихся момента, лежащих в самой основе обучения: проектный подход и десятибалльная система. Что интересно, именно это я, ещё не будучи знакомой со Школой, использовала в обучении своих студентов в Омске.

Есть расхожая фраза «бойся своих желаний». За несколько лет до этого я написала работу об актуальности проектного подхода в обучении, о том, как ограниченное время на задачу становится важным фактором в работе с креативным мышлением и влияет на многие аспекты итогового результата. Ещё раньше, в 2008 году, я разработала программу для старших курсов, делящую классический университетский семестр на три проекта по несколько месяцев — аналогично вышкинским модулям. Тогда же эти проекты я стала неофициально оценивать по 10-балльной системе и затем переводить оценку в пятибалльную — это давало больше гибкости в оценивании и в то же время лучшее понимание студентом своего результата.

А попав в Вышку, я увидела эти же принципы внедрёнными во все дисциплины и поняла, что я в правильном месте, где учатся в соответствии со временем и приближённо к реальной профессиональной работе.

Я считаю, что она очень правильная: хотя модули, конечно, повышают нагрузку на студента-дизайнера, они развивают важные навыки для реальной работы — ритм, последовательность и умение в короткий период создавать завершённый проект. В классическом семестре же пара месяцев уходит на раскачку и не влияет на финальный результат, а много времени всегда расходуется непродуктивно.

В модульной системе студенты начинают чувствовать время и рационально им пользоваться, иногда им может его даже едва хватать. Потому что время — это категория «облаков», и научиться им управлять хотя бы в рамках одного проекта — важный и очень сложный навык.

Я всегда проверяю себя на профессиональное соответствие каждому новому поколению студентов. Когда-то я установила для себя такой критерий самопроверки: если студент придет ко мне снова через 2–3 года, а я не смогу рассказать или показать ему что-то новое, или по-новому сформулировать темы и задачи, которые были при его обучении, то значит «что-то со мной уже не так», и стоит задуматься.

Между преподавателем и студентом всегда идет взаимообучающий процесс. Это можно сравнить с книгой — она не может быть хорошей просто по факту существования. Идеальным обучающим или информационным инструментом она станет, только если будет внимательный читатель. Студент и преподаватель — это всегда читатель и книга, причём часто мы меняемся местами. Поэтому пластичность взаимообмена всегда абсолютно необходима.

Эта пластичность проявляет себя не только в учёбе и преподавании. Система допуска восприятия событий и информации у креативного класса, а дизайнеры являются представителями этого класса, намного шире, чем у большинства людей. Это дает возможность не создавать конфликт между крайними точками мнений, а принимать весь спектр информации. Воспринимать явления не как хорошие или плохие, а как другие. А что-то другое и новое — это всегда возможность разобраться, вырасти и раскрыться самому.

Сегодня это объединённый, практико-ориентированный опыт, но открытый для новых трансформаций. Так получается неустаревающий инструмент, который не конфликтует с новыми технологиями, легко встраивает их внутрь и сам без проблем встраивается в новый контекст. Я всегда оставляю место инновациям, хотя я могу только предположить их появление, ведь их пока просто не существует. Поэтому внутри программ всегда заложена большая вариабельность, которая позволяет студентам понять главное — бесконечный ресурс генерирования идей.

Вообще, сегодня нельзя сказать, что человек, который живет в Омске или в Новосибирске, как-то качественно отличается от человека, живущего в Москве. Социокультурное и медийное пространство, возможность активно передвигаться по стране и миру стирают эти границы. Да, культурные коды разных стран разнятся — они складывались во времени и отличаются в фундаментальных внутренних ценностях и философиях. Это находит отражение в дизайне одежды — не только в орнаменте, декоре и особенностях кроя, но и во внутреннем ощущении от костюма. В японском костюме будет много пространства, воздуха, асимметрии и продуманных деталей, что соответствует тем же принципам, которым следует японское визуальное искусство, литература, боевые искусства. В русской традиции структура, принципы симметрии, ритмика и колористика будут совсем другими.

Локальная идентичность строится на знаковых людях города, художниках, предпринимателях, событиях, проектах. Иногда они ироничны — например, самый яркий мем Омска, который не раз нашёл воплощение в творчестве местных авторов, — это схема омского метро, которая представлена одной точкой. Это по факту подземный переход с буквой М, единственный артефакт, оставшийся от замороженного проекта строительства метрополитена в городе. Локальную идентичность формирует ощущение малой родины, семейные ценности, контексты места.

Всегда есть маленькие личные истории, связанные с локацией и влияющие на человека. Но в целом мода многомерна и междисциплинарна, нельзя сказать, что в Омске она другая, чем в Москве. Омская школа действительно складывалась не благодаря, а вопреки — географически город далеко от центральных регионов, очень ограниченная профессиональная информация, государственной поддержки креативных индустрий тогда ещё не было. Именно поэтому сложилось устойчивое словосочетание «феномен омской школы». Сегодня нет информационных границ, доступное передвижение, возможности стали более равными.

Я совсем недавно переехала в Петербург, надеюсь сохранить то волшебное ощущение, которое я испытываю сейчас. Здесь больше созерцательности, углублённости, внимания к деталям и особой атмосферы. Не могу сказать, что это находит буквальное отражение в работах питерских дизайнеров — мир моды очень многомерен, и большое количество факторов соединяется в коллекциях уникальным образом. Иногда дизайнеры, начинавшие здесь, позиционируют себя как петербургские, а потом меняют локацию — это не значит, что влияние города на них совсем исчезло, новый опыт трансформируется в новые качества их творчества.

Санкт-Петербург — атмосферный город. Москва отличается ритмом, Питер — созерцательностью, у Омска тоже есть своя атмосфера, которая в каждом откликается личной историей.

Я работаю со студентами в Омске, в Москве и теперь в Санкт-Петербурге. Студенты — это отдельная каста, которая прекрасна абсолютно везде. Они ярко на всё реагируют, легко воспринимают всё новое. И, думаю, если взять и сфотографировать студентов из разных городов, посадив их в одну аудиторию, то распознать, кто где, будет вряд ли возможно. В Санкт-Петербург и в Москву студенты съезжаются со всей России, и это особенно заметно.

Во всех работах первокурсников, в первую очередь, ценным является проделанная работа и желание, и только потом сам итог. Работа может получиться, может нет, но опыт — это всегда результат. Первый серьёзный проект на первом курсе, к тому же с организацией показа — это сложно, и все студенты, которые приняли в нём участие, уже молодцы. Ведь показ — это не только костюм, это и музыка, и стилизация образа, и структура дефиле.

У многих гостей показа — тех, кто не связан с модой, — впервые пришедших на подобное событие, после него глобально меняется представление о том, каким может быть костюм. Открывается новое понимание, что фэшн-дизайн — это не только про одежду, и в нём важна не только функциональность, но и возможность высказаться творчески. Сценарий показа работает на то, чтобы эту идею донести и показать, в том числе и художественную мысль автора, и процесс создания работ.

С креативностью и с дизайнерами у нас всё хорошо. Проблема с индустрией моды, производствами, текстилем, фурнитурой. Ну и финансовые возможности для запуска молодого бренда никто не отменял. Есть проблема инвестиционная: сами по себе на пустом месте дизайнеры не появятся массово. В мире есть примеры успешных программ: «Антверпенская шестёрка» и весь феномен бельгийской школы появились благодаря государственной поддержке, в Америке нередко на уровне школ выбираются студенты с особыми достижениями, которым финансово помогают в создании собственных брендов. Это особенно важно, потому что мода — это не та сфера, которая сразу даёт возможность получения прибыли и выхода на окупаемость. С поддержкой для молодых дизайнеров в эту сферу шло бы гораздо больше людей.
 

В первую очередь рекомендую искать бренды с собственной идентичностью. Важно, чтобы даже на уровне одного образа и одной фотографии считывалась визуальная самобытность бренда. Какие-то марки одежды могут быть вам ближе, а для других вы просто не являетесь целевой аудиторией, но все равно при наличии визуальной привлекательности за ними будет интересно наблюдать. Примером могут быть такие бренды, как Гоша Рубчинский, NINA DONIS, INSHADE.

Коммерческий успех не всегда совпадает с талантом и новаторством дизайнера. Креативная мода требует другого — не только особого восприятия, но и образа жизни и финансовых возможностей как автора, так и клиента.

И, конечно, интересно наблюдать за выпускниками Школы дизайна. Теми, кто сейчас работает над собственными брендами, стажируется в модных домах, в том числе мирового уровня, или продолжает своё обучение в европейских школах. Наши студенты всегда стремятся к развитию и получению профессионального опыта, и потому для тех, кто сейчас учится или хочет учиться, они станут большим вдохновением.

Моя карьера строилась в сфере преподавания, поэтому мой самый важный и глобальный проект — это студенты и сам путь. Особенно ценно, когда бывшие студенты переходят из категории выпускников в категорию друзей и профессиональных соратников, с которыми вы обмениваетесь опытом и вместе работаете.

Конечно, важные проекты — это создание авторских программ и учебников, которые синтезируют весь практико-ориентированный опыт. Работа над ними — это глубокое погружение в саму систему фэшн-образования, чтобы использовать её эффективно и гибко.

Всегда большими проектами становится работа над коллекциями для конкурсов, каждая из которых как отдельная маленькая жизнь. На конкурсах ты работаешь над коллекциями со студентами в равной степени, фактически как соавтор. Их было очень много.

А моя профессиональная мечта как раз родилась из всего предыдущего опыта — хочется собрать его в единую книгу. Я уже хорошо представляю и будущую структуру по блокам, и их содержание, и как про них написать, и терминологию. Среди разделов как специальные — креативное формообразование, текстильный дизайн, так и более широкие — креативный подход и дизайн-мышление в целом. Осталось найти время и собрать всё это вместе.