По вопросам поступления:
Бакалавриат (доб. 709, 704, 715, 710)
Магистратура (доб. 703)
Онлайн-бакалавриат (доб. 709, 711)
Дополнительное образование (Москва — доб. 705, 706, 712, Санкт-Петербург — доб. 701)
Детская школа (доб. 707)
С понедельника по пятницу
с 10:00 до 18:00
По общим вопросам
Преподаватель профиля бакалавриата «Ивент дизайн. Театр. Перформанс» в Школе дизайна НИУ ВШЭ. Художник, сценограф, главный дизайнер Электротеатра Станиславский, арт-директор Московского музея дизайна, член Московского Союза Художников, лауреат премии «Золотая маска». В этом интервью об отношении к профессии художника, художественном образовании и перспективах развития ивент-дизайна со Степаном Лукьяновым побеседовал Василий Мельниченко, преподаватель профиля бакалавриата «Ивент-дизайн. Театр. Перформанс», художник, исследователь культуры.
Преподаватель профиля бакалавриата «Ивент дизайн. Театр. Перформанс» в Школе дизайна НИУ ВШЭ. Художник, сценограф, главный дизайнер Электротеатра Станиславский, арт-директор Московского музея дизайна, член Московского Союза Художников, лауреат премии «Золотая маска».
В профессии я с детства. Потому что мои родители и бабушка с дедушкой — художники. И сестра тоже художник. И вот как-то так я оказался в профессии. Я из такой семьи. Правда, сначала я учился во французской школе, но учился очень плохо, был на грани изгнания оттуда. И родители приняли решение отдать меня в Московскую среднюю художественную школу при Суриковском институте. Там были общеобразовательные предметы и были живопись и скульптура. Я учился на скульптуре. Так я стал художником.
Да, разница есть. Но так сложился путь. Я в жизни много занимался графическим дизайном, телевизионным дизайном — оформлял разные телеканалы. А к театру я пришел в каком-то смысле потому, что я с него начинал. Здесь я благодарен другому творческому объединению, в которое я входил, учась в художественной школе. При Пушкинском музее есть Клуб юных искусствоведов (КЮИ). Почти все мои друзья по жизни — друзья по этому объединению. Через этот клуб в 1992-м году я попал в мастерскую индивидуальной режиссуры Бориса Юхананова. И там я стал ассистентом художника Юрия Харикова, и несколько лет мы занимались проектом «Сад» по «Вишневому саду» Антона Павловича Чехова. Сейчас бы это назвали междисциплинарным проектом, тогда это было просто очень интересно. Мы ездили на гастроли, и все было очень здорово. Но мне хотелось искать что-то новое, и я ушел на какое-то время в сторону от театра — в дизайн и в телевидение.
Это только внешне выглядит как мультидисциплинарность. Я же ко всему отношусь как к единой дисциплине. Для меня в какой-то степени ключом к пониманию того, чем я занимаюсь, является жанр плаката. В плакате очень важна ключевая идея. Я и студентам постоянно об этом говорю: важно сформировать первоначально ясную идею и потом уже наращивать на нее «мышечную массу» в виде дополнительных смысловых слоёв. Но идея должна быть очень крепкой. Мой отец — известный график-плакатист, я являюсь членом секции плаката Московского союза художников. Мне все это близко. И, соответственно, жанр плаката имеет прямое отношение и к театру. Театру нужна афиша. А часто художники театра, сценографы не умеют делать афиши. Это другая специфика. И есть поставить фото сцены из спектакля на плакат — это, скорее всего, будет плохой плакат. Чаще для плаката нужно придумывать свой графический образ, скорее всего не связанный со сценами из спектакля.
Я скажу банальность, но ее истинность никто не отменял. Плакат создан для очень быстрого реагирования взгляда и мозга, ведь первая задача плаката — привлечь взгляд, а вторая — очень быстро передать смысл, ключевой образ. Это является для меня важным в любом виде творчества. Я, как детектив, всегда пытаюсь размотать клубок смыслов, чтобы добраться до ключевого образа, создать единую, выкристаллизованную систему образов и смыслов, которые кажутся важными для художественного образа. Здесь приходится отбрасывать большое количество интересных идей, которые не совпадают с ключевой идеей. Но они не пропадают, а находят свое воплощение в других работах.
Форма не живет без содержания, а содержание не бывает без формы. Если говорить об искусстве, так или иначе, есть некий высокий концепт, который лежит внутри формы. Я очень внимательно отношусь к знакам. Ведь определенное сочетание цвета и формы вызывают у зрителя определенные реакции, а у подкованного зрителя и подавно может вызвать в сознании определенные цитаты. Например, объект очень похож на Эйфелеву башню, а художник хотел, чтобы зритель видел китайскую пагоду — а это большая смысловая разница. Поэтому концепт для меня очень важен. Но я не работаю как художник-концептуалист, который увлечен текстовой основой произведения. Я стараюсь работать на грани концепта и эстетики.
Я прошел определенный профессиональный путь и понимаю, как важно честно и обоснованно работать с самим собой. Я должен отдавать себе отчет в том, насколько ясное высказывание у меня сформировано. Не хочу сказать «понятное», именно ясное. Оно должно быть цельным и внятным. Если целостность и ясность образа возникает, то зритель все считывает. Это во многом еще и вопрос профанации — как ты сам противостоишь этой профанации в самом себе. Если тебе в голову пришла какая-то идея и ты настаиваешь на ней, как на единственно возможной идее, то ты находишься в ситуации самообмана. На самом деле, у тебя же самого есть огромное количество идей, которые способны создать в сочетании с другими идеями ясный и цельный образ. Часто такая упертость бывает вследствие неопытности и от недоверия к себе или от того, что человек отстаивает не свою идею, а где-то у кого-то подсмотренную. А боязнь расстаться с этой идеей возникает из-за того, человек боится не найти собственную. Этот вопрос во многом психологический.
Художнику важно иметь доверие к пространству, к себе, людям. И поскольку театр — коллективное творчество, то здесь всегда есть возможность проверить себя, насколько ты адекватен общей задаче. Это же касается и режиссеров. Основные истерики происходят не тогда, когда идея плохая, а когда она не работает. Это создает ступор и блокирует взаимное переплетение идей соавторов. Этим театр мне особенно интересен. Когда ты соединяешь сценографию с действием, то понимаешь, что многие идеи могут просто быть нежизнеспособными. А для амбициозных молодых людей это часто являеться болью и проблемой. Нужно относиться проще к своей персоне.
Это и есть основная проблема современного искусства. Создавать нечто, что требует текстового сопровождения — это уже не очень современно. У меня был спор с одним куратором. Я ему пытался объяснить, что такая форма искусства часто является неуважением к публике. Человек, который по тем или иным причинам не имеет возможность прочитать сопроводительный текст, не может такое искусство в полной мере воспринять. И возникает конфликт. Такого человека объявляют недалеким, недоразвитым, а он, возможно, член Академии наук, физик, например. И в чем же он недоразвит? Это же очень странно, мягко говоря.
К сожалению, искусство очень часто является профанацией. И это очень видно заточенному взгляду. Это стремление быть гипертрофированно элитарным. Театр тоже искусство элитарное уже в силу того, что театральное здание не способно вместить много людей. Сейчас искусство в принципе явление элитарное.
Я считаю, что системное образование важно. Но, опять же, в сочетании с профессиональной атмосферой, которая должна окружать молодого художника. Если заниматься исключительно искусством в академии и не иметь продолжения этому на улице или в компаниях, то, мне кажется, это не работает. Системное образование еще тем хорошо, что эта атмосфера в этих заведениях и рождается. Вот пример. С товарищами по КЮИ мы сформировали группу Музей и создавали в Пушкинском музее инсталляции и перформансы, посвященные выставкам в музее. Так через образование произошло образование нас как группы и образование каждого из нас как явления. Еще одно важное направление, которым я занимаюсь — музейная деятельность. Как арт-директор я сотрудничаю с Московским музеем дизайна. И это тоже пошло от образования в Пушкинском музее.
Сейчас есть разные формы образования. Я выходец из академической школы. И уверен, что такая вещь как занятие рисунком — огромное подспорье в художественной жизни, если не её основа. Умение мыслить графическими образами без занятия рисунком кажется невозможным. И я прошу студентов рисовать, фиксируя свои идеи в виде эскизов. Это часть программы. Компьютерные технологии — это прекрасно, но нужен баланс между тактильным визуальным и виртуальным визуальным, его нужно соблюдать. Мы занимаемся материальной культурой, и образ должен материализоваться.
Я понимаю, что ситуация с пандемией показала нам следующее — абсолютный вакуум общения в конечном итоге привел к буму на разного рода события, которые люди сами себе устраивали. Ты спрашиваешь про экономику, но это значит, что появится какая-то новая экономика производства этих событий. При всех панических настроениях, которые есть в последний год, мы понимаем, что что-то будет и дальше, но как-то иначе, не так как мы привыкли. Я оптимист в этом отношении, понимая, что вода дырочку найдет. Это даже не будут другие формы, это будет какой-то новый состав.
Я бы сказал ему следующее. Театр — это синтетическое, универсальное искусство, которое не знает границ своего развития. Ведь количество сочетания театральных элементов неисчислимо: архитектура, живопись, скульптура, хореография, музыка, свет. Можно еще перечислять. Важно то, что художник из этих элементов создает новые миры. Я не сторонник театра, воспроизводящего действительность. Отражение современности, в моем представлении, должно сопровождаться созданием нового мира. Но я не мыслю себя демиургом. Важно, что новый мир создаётся не только тобой. Демиургическое чувство особенно свойственно архитекторам. Они создают некую мир-систему в виде домов, городов и даже стран. Я за архитекторов всегда переживаю. Им очень сложно с этим бременем. В театре сотворение мира выглядит иначе. Это сотворчество многих цехов и людей. И это дарит особенное чувство сопричастности чуду.
На нашем профиле обучают художников театра, дизайнеров событий. Если выражаться шире, то мы готовим специалистов по работе с пространством и временем и человеком в пространстве и времени. Студенты становятся театральными, работающими со всевозможными элементами культуры и искусства — архитектурой, живописью, скульптурой, кинематографом и прочими экранными искусствами, со временем, с текстом, с музыкой, со светом, с человеческой фигурой и костюмом и многим другим.
Умение владеть всеми этими инструментами, соединяя их в одно пространство, будь то пространство театрального спектакля или любого другого события, даже дегустации вина, — это то, чему мы хотим научить и учим наших студентов.
Мы работаем со студентами как соратники и сотрудники. У нас проектный принцип образования. Мы вместе проходим путь каждого произведения, которое выходит из рук наших студентов. От теории к практике. От проекта к законченному произведению. Это прохождение студентами всех перипетий художественного творчества с помощью опыта нас, старших товарищей.
Студенты делают проекты самого разного характера: мы занимаемся разработкой проектов театральной сценографии и костюмов, проектированием разного рода событий — выставочные пространства, ивенты, уличные шествия, перформансы — это широкий спектр работы со средой, с дизайном пространства, с арт-объектами, работы с костюмом.
Мы готовим специалистов широкого профиля, но каждый студент может выбирать наиболее интересное ему направление. Мы обучаем студентов так, чтобы они обрели универсальную профессию.
У нас универсальное направление, оно формирует по-настоящему междисциплинарных художников, которые получают базу знаний в разных дисциплинах: сценография, костюм, экранные искусства. Мы касаемся самых разных нюансов и областей современного искусства, и, набирая этот багаж, каждый из студентов может выбрать более узкую специальность, при этом оставаясь универсальным художником.
13 мая в 12:00 приглашаем вас на день открытых дверей программ бакалавриата Школы дизайна: программы «Дизайн» и «Мода».
Адрес: Культурный центр НИУ ВШЭ (Покровский бульвар, 11с6, вход 4)
Театр «Практика» и Факультет креативных индустрий Вышки, куда входит Школа дизайна НИУ ВШЭ, запускают долгосрочную программу сотрудничества. Основная цель — объединить новые визуальные и театральные практики, привлечь внимание широкого сообщества к развитию креативных индустрий через театр, кино и дизайн.
17 и 18 августа в Самаре пройдёт фестиваль «Креатив на Волге». Это масштабное мероприятие, частью которого станет «хакатон» — командное соревнование по разработке решения бизнес-кейса. В этом году трек «Ивент как инструмент развития региона» курирует Эмма Васильева, преподаватель профиля «Ивент-дизайн. Театр. Перформанс» Школы дизайна НИУ ВШЭ.
Профиль бакалавриата
Сегодняшняя ивент-индустрия, как вектор экономики впечатлений, соединяет дизайн, театр, кино, перформанс, музыку, питание, здоровье, туризм и другие сферы человеческой жизни. Профессиональное проектирование арт- и лайфстайл-событий — главный тренд будущего, а инженер впечатлений — возможно, главная творческая профессия нашего завтра, в котором под ивентом будет пониматься проектирование и получение нового опыта, а не услуга, независимо от масштаба и формата события.
Профиль «Ивент. Театр. Перформанс» готовит профессионалов в сфере индустрии впечатлений на стыке режиссуры, сценографии, работы с пространством, светом, видео, телом, костюмом, гримом и перформативных практик во всех их смысловых, концептуальных и художественных соединениях.
Спасибо, вы успешно подписаны!
Извините, что-то пошло не так. Попробуйте позже.
Мы используем файлы cookies для улучшения работы сайта НИУ ВШЭ и большего удобства его использования. Более подробную информацию об использовании файлов cookies можно найти здесь, наши правила обработки персональных данных – здесь. Продолжая пользоваться сайтом, вы подтверждаете, что были проинформированы об использовании файлов cookies сайтом НИУ ВШЭ и согласны с нашими правилами обработки персональных данных. Вы можете отключить файлы cookies в настройках Вашего браузера.