Выставочный проект «Свояси»: русский стиль и современное искусство

Сотрудничество Школы дизайна НИУ ВШЭ и Всероссийского музея декоративного искусства насчитывает не один год. В 2023-м совместно были организованы три стратегических форума по самым актуальным вопросам: «Дизайн & ESG», «Время дизайн-дипломатии» и «Наследие + Дизайн», а 8 февраля 2024 года прошел совместный Форум по циркулярной моде. В сотрудничестве со Школой победитель конкурса «Музей 4.0» реализует уникальный проект «РазАРХИВация» материалов Научно-исследовательского института художественной промышленности из фондов Музея при поддержке благотворительного фонда Владимира Потанина. Многие преподаватели Школы выступают с образовательными программами в Лектории Музея, в их числе и Евгения Орловская, которая не смогла пройти мимо нового ежегодного выставочного проекта с говорящим названием «Свояси», организованного при поддержке ВМДИ. 

Впервые ежегодный выставочный проект «Свояси», инициированный Наталией Юстицкой, членом Союза художников России и членом Московского Союза художников, объединил единым экспозиционным пространством 23 участников-пионеров с 3 апреля по 25 мая 2023 года. На второй выставке, проходившей с 20 апреля по 28 мая 2024 года, экспонировались работы уже 60 художников из разных регионов России. 

Темой первой экспозиции стал лес, предстающий как метафора человеческой жизни, полной неожиданностей, трудных испытаний и волшебных преображений. Интерпретации русской природы неизбежно наполняются разным содержанием авторского внутреннего мира, опытом личного переживания и соприкосновения с этой стихией. Юлиана Бойко запечатлевает лес то ли поздней осенью, то ли ранней весной, то ли зимой, настораживающим своей непроглядной пугающей чернотой на фоне белоснежного полотна, окутавшего землю. Образы леса в ее интерпретации превращаются и в универсальный графичный принт (подходящий для текстиля, обоев, посуды), и в живописный диптих. Тусклые лучи Луны отражаются на перламутрово заиндевевших ветках, сквозь которые проглядывают тающие сущности в человеческом и зверином обличье. Переплетение ветвей превращается в орнаментированные стволы серии монументальных напольных светильников «Воздух», «Вода» и «Земля», исполненных в сложной технике сочетания покрытого цветным маслом липового дерева с эрклезом (стеклянным камнем, как его называют профессионалы). Автор, Дмитрий Рытаев, мастер, работающий с разными материалами и в разных техниках, художник, скульптор, дизайнер и реставратор антикварной мебели, даже в простейших формах шифрует сложнейшие понятия, дает через прекрасное познать божественное. Скупой свет, струящийся сквозь стволы светильников, предстает метафорой спасения, огонька свечи в ночной чаще, где хоронится монашеский скит.

Для Антона Стекольщикова и Софии Венцислицкой лес не может быть ни безнадежно темным, ни угрожающим. Хотя полотно «В келье преподобного Иринарха» объято мраком, а серия ваз «Таинственный лес» исполнена из черной керамической массы, каждый видит лес как место перерождения. «…если ты не войдешь в лес, с тобой никогда ничего не случится и твоя жизнь так и не начнется. (…) Для каждого из нас это ассоциативно выбор — пробраться сквозь чащу, выйти на свет и встретить самих себя настоящих», — считает Софья, украшая свои корягообразные вазы бусами из вулканической лавы и превращая их в объект некоего мистериального культа природы: то ли слезы, то ли струи очищения души. 

Совершенно иным предстает лес в работах куратора проекта, художника Наталии Юстицкой, для которой он являет собой «прототип рая, пространство гармонии. Место убежища для современного человека. В культуре наших предков, на мой взгляд, был один очень важный для нас сегодня аспект — жизнь в единстве с природой. (…) Серия работ «Купало» возникла в 2020 году и связана с поиском внутреннего баланса через возвращение к истокам. На моих полотнах изображен традиционный славянский праздник Иван Купало. Это не обряд, не культ. Это процесс погружения и слияния в прямом и переносном смысле. Обращение к целительной силе природы». Кроме прыжков через костер, омовений, хороводов частью ритуалов было плетение венков и поисков заветного цветка папоротника. Коллекция «Эндемики Сибири» авторов Константина и Натальи Истоминых представляет собой своеобразный ботанический атлас цветов, произрастающих только на территории Сибири. Белый мак, багульник, жарок, вырезанные из рогов лося или оленя — животных, почитаемых скифами и являющихся основой скифо-сибирского звериного стиля, перестают быть просто ювелирными украшениями, становясь аккумулятором разных хронологических пластов и культурных топонимов нашей необъятной страны, где на другом конце пробиваются хрупкие стеклянные подснежники Анастасии Прибельской, превращая чудесную сказку Самуила Маршака «Двенадцать месяцев» в повседневную реальность. Собственно, в этом и состоит акт преображения действительности с помощью магии творчества.

Праздник окончен, все желания загаданы и можно наслаждаться самим фактом бытия, лежа в траве на залитой солнцем и заросшей полевыми цветами опушке. Камерная прелесть бескрайних лугов, усыпанных ромашками, клевером, васильками и зверобоем, разбегается пестрой расцветкой девичьих платьев, распластывается тонким узором фарфорового сервиза. Прототипом росписи для Ольги Сальниковой послужили образцы ткани XVIII века, то есть рисунки самых первых ситцев. Ситец небес, устойчивая метафора в русском языке, опрокидывается на ткань в виде голубой набивной ткани, а березовый ситец подарил нам Сергей Есенин, за что мы ему навсегда благодарны:
    
«Ты теперь не так уж будешь биться, 
Сердце, тронутое холодком, 
И страна березового ситца
Не заманит шляться босиком»
Не жалею, не зову, не плачу…

Лес населяют вневременные сущности, «Дитя. Снегурочка», «Любовь. Царевна-Лебедь», «Мудрость. Баба-Яга», «Юность. Весна красна», образы, схваченные на полотнах Ольги Гусевой. Все они — тысячелетние свидетели одной и той же трагедии: пантера, как символ хтонической силы и темноты, встречается в поединке с оленем — олицетворением добра и жизни. Скифы верили в цикличность бытия, сюжет терзания хищником травоядного воплощал борьбу света и тьмы. В их мире умерший воин перерождался в нового члена племени, а противостояние добра и зла представляло собой вечный бой без конца и начала. Вдохновением для художественного текстиля Ирины Дубовской, основателя компании «Culture Codes», послужили Сибирская коллекция Петра I из Государственного Эрмитажа и Сокровища Долины царей из Национального музея Республики Тыва. 

Славянский бестиарий неизменно увлекает воображение и рождает новые интерпретации непреходящих художественных образов, например, рыбы, древнейшего раннехристианского символа Римской Империи, помогавшего братьям-христианам распознавать друг друга в этой жизни. Спустя две тысячи лет он пользовался чрезвычайно широкой популярностью у мастеров русского стиля, в особенности Ивана Билибина и Сергея Малютина. Фантастические рыбы Анны Жуковской, выполненные в сложной смешанной технике сочетания дерева, текстиля, поделочных камней с вышивкой, напоминают старинную русскую технику оформления иконных окладов и, поблескивая сказочной чешуей, уносят наше воображение в глубины культурологических реминисценций.

Нельзя не упомянуть и образ коня, устойчивого архетипа славянской культуры, спутника и друга, советчика и защитника, связанного с поклонением силам природы и объединяющего стихии огня и воды, земли и воздуха, света и тьмы. Современные образы, исполненные из дерева, керамики, металла, написанные или вытканные на холсте, образуют целую галерею, своеобразный дайджест культовых памятников русской художественной культуры. Сакральная иконография «Чудо Святого Георгия о Змие», скульптура «Медный всадник» Этьена Фальконе (1782, Санкт-Петербруг) и картина «Купание Красного коня» К.С. Петрова-Водкина (1912, ГТГ), собранные на полотне «Конь-Огонь», представляют собой одновременно и преемственность традиции, и новаторство в ее интепретации на разных этапах развития. 

Обозначив орнамент в качестве ключевой темы второй экспозиции, организаторам удалось установить логическую связь и диалог разных произведений, представленных на обеих выставках 2023 и 2024 годов. Орнамент всегда символизировал глубокую интегрированность человека в природу, превращая стилизованные образы в визуальное выражение картины мироздания. Современные технологии позволяют расширить как его репрезентацию, так и восприятие. Всероссийский музей декоративного искусства предоставил из своей коллекции два полотенца XIX столетия для оцифровки в рамках проекта Василисы Гончаровой.

«Орнаментальный язык символов всюду окружал человека традиционной культуры. Узоры покрывали одежду, предметы, жилище. Рукава, вороты, пояса, подолы, наличники, дверные проемы сознательно орнаментировались. По своему расположению, это переходные места, пограничные, стоящие на стыке того или иного пространства и качества. Располагаясь на границах, они несли функцию оберега и сакральной связи разных миров. Ритмическое повторение, как важный аспект традиционного орнамента, перекликается со структурой народной песни…».
 
В своей работе «Странствование для обретения правды-истины. Философия самосознания» (1914-1932) Аполлинарий Васнецов писал, что «когда хотят подчеркнуть элегичность и поэтичность картины или музыкального произведения, говорят: "Отзвуки минувшего", "Аккорды жизни", "Напевы осени"...» Список метафор можно расширить, это и «душа поет», и «мелодия любви». Развивая эту идею о единстве визуального и музыкального начал, Василиса создала аудиовизуальные композиции, которые можно было не только послушать, но и увидеть в качестве оживший проекции. Обязательный предмет русского быта, вышитое полотенце, на котором гостям подносили хлеб-соль, оказался представленным в нескольких совершенно разных форматах — в традиционном живописном в картине Ирины Ивановой «Хлеб да соль» и в новаторском цифровом в аудио-визуальной композиции Василисы Гончаровой «Ваня».

Еще одним интересным проектом на стыке науки и искусства стал полиптих «Эволюция» работы Юрия и Евгении Безобразовых. Фрактальный треугольник Серпинского трактуется авторами как Троица, один из древнейших христианских символов, символизирующий триединство Отца, Сына и Святаго духа. Монументальная композиция с ликом Богородицы в центре транслирует математическую гармонию как гармонию мироздания, созданного Творцом по принципу самоподобия. Научный подход к орнаментации заставляет упомянуть проект преподавателя Школы Дизайны НИУ ВШЭ Владислава Генералова с говорящим названием Fractal Carpet Generator — Генератор Фрактальных Ковров. Это графический редактор, позволяющий создавать изображения ковров или орнаментов из фрактальных объектов. Использование программы, предложенной автором, позволяет каждому из нас попробовать себя в качестве цифрового художника. Овладение новыми инструментами и методологией создания орнаментальных композиций существенно расширит возможности их применения и техники нанесения. 

Целый ряд участников выставки «Свояси» продемонстрировал новаторские приемы орнаментирования поверхности. Проект Саши Малышевой «Коды вечности: Орнаментальная Метаморфоза Ценностей» представляет собой композицию, состоящую из одинаковых по размеру модулей. Каждый модуль одновременно является и самодостаточным орнаментальным элементом, безупречно исполненным в технике вышивки по бересте и спрятанным под акрилом. Это своеобразный QR-код, скрывающий в себе такие важные для человека понятия, как «Справедливость», «Вечность», «Искусство». Интерактивный характер взаимодействия с произведением предполагает самостоятельное расположение модулей, что влечет за собой своеобразную перекодировку и установление новых связей и отношений в рамках единой орнаментальной системы, ту самую орнаментальную метаморфозу ценностей. 

Коллекция стеклянной посуды создавалась Алиной Кужелевой на основе орнаментального наследия Русского севера. Алые нити вышивки врастают в белоснежную поверхность каждого предмета, собранного из сотен стеклянных полосок, среди них есть даже плоское блюдо в виде стилизованного рушника. Отделка журнального столика Аллы Дуловой исполнена в технике окуренного дерева. В Древней Руси окуривание являлось защитой от паразитов, в наши дни это модный и стильный декоративный прием, эффектно оттенивший мозаику из красной смальты, стилизованной под тарусскую вышивку.

Своеобразным транслятором орнаментальной культуры на Руси всегда была женщина. Повседневный и выходной наряд, головные уборы, украшения, обустройство быта, художественный текстиль, прялка, нить — весь этот репертуар понятий делает женский образ объектом творческого осмысления в разных ракурсах и в разных техниках. «Обряд», «ряд», «рядом», «порядок», «упорядочивать», «прядение» и «наряжать» — все эти однокоренные слова связаны в единую логическую цепь жизнестроительства, где каждое звено представляет собой источник вдохновения. Женские образы живописных панно Марии Барковской фиксируют и времена года, и связанные с ними многочисленные обряды, и традиционные наряды, отдельно представленные на выставке целой коллекцией исследователя и этнографа Галии Вальевой. Ее авторские реконструкции традиционных костюмов в пропорции 1:3 воссоздают одежду от головного убора до обуви с максимальным приближением к историческим образцам, использованием оригинальных тканей, материалов и соблюдением кроя, отделки, вышивки.

Это очень напоминает тенденцию Серебряного века, когда ни одна крупная выставочная экспозиция не обходилась без коллекции кукол в традиционных костюмах губерний и регионов Российской империи. Разительный контраст с историческими реконструкциями представляет коллекция Катерины Алексеевой под названием «Путь Кочевника». Объемные, многослойные и в то же время легкие платья, декорированные стежкой и окрашенные интенсивными цветами, вдохновлены народным костюмом Горного Алтая. Это современная антитеза Домостроя, женщина-кочевница, свободная от всех обязательств, кроме добровольно выбранных ею по собственному усмотрению.

Наряд русской женщины немыслим без украшений, так что подходы современных ювелиров отличаются разнообразием. Анна Гофман опирается на традиционные декоративные образы и колорит, другие авторы глубоко погружаются в археологические пласты. Основой для создания коллекции Елизаветы Сергиенко послужили петроглифы, имевшие магическое обрядовое или мемориальное значения. Ее подвески-кулоны-обереги представляют собой покрытые серебром бронзовые слепки настоящих камней, собранных в разных регионах России. Следы финно-угорской культуры, наследие Мурома, Карелии, Урала и Сибири вдохновили Семёна Старова на создание целой серии работ, воплотивших историю о наших корнях и переходе к современности.

Среди его работ есть серьги под названием «Прялка» и кольцо под названием «Кокошник». Одноименное произведение Виктории Осмёркиной объединило связанные с этими украшениями понятия «прядение» и «наряд». «Богородица, покрой мою голову жемчужным кокошником» — эта надпись на головном уборе превращает его в православный оберег. Автор считает, что в повседневной суете «мы не вполне осознаем, что в нас, в нашу память вшиты традиции и образы народа, к которому мы принадлежим. Каждый из нас несет в себе его скрытый культурный код. В нас живет опыт и творчество предыдущих поколений. На протяжении всего жизненного пути мы пишем страницы своей жизни, наполняя их актуальным содержанием (…) В прошлом в женском рукоделии преемственность поколений была более очевидна, традиции просматривались невооруженным глазом. Мне захотелось проследить трансформацию смыслов, заложенных в женском головном уборе. Кокошник в разные периоды был и оберегом, и символом, и информационной площадкой. Он претерпел множество изменений по форме, но остался необходимой страницей в книге жизни каждой женщины». 

Развивая метафору, можно сказать, что эта страница открывает целый раздел экспозиции, посвященный современной интерпретации каллиграфии в разных видах искусства. Интересные работы Ксении Ладатко неизменно привлекают внимание не только филигранностью исполнения, но и глубиной вложенных смыслов. Литературный источник «Поморские ответы», одно из главных апологетических произведений староверов всех согласий, опубликованное в 1723 году, визуализировано в виде панно «Ответы», где шрифт выступает фоном для обращенной на запад стрелки. Панно «Ответы» и комод «Важно» работы Елены Приходько составляют смысловую пару упорядочивания жизни, а ведь наведение порядка в доме в традиционной культуре считалось прерогативой женских рук. Ответы на вопрос, что для нас важно, зачастую хранятся в унаследованном комоде, традиционном предметном воплощении семейных ценностей, с альбомами фотографий, связками писем, памятными вещицами, всем тем, что легко исчезает из современной жизни, но навсегда остается частью истории каждой семьи. 

Буквы, символы, узоры на протяжении тысячелетий формировали сложную систему заговоров, ритуалов, верований, предназначавшуюся для обращения к высшим силам. Русский шрифт сочетает в себе как высокою смысловое содержание, так и богатый декоративный потенциал. Предметом особого интереса для Влады Ружицкой стала вязь — когда искусное переплетение букв превращается в орнамент. Художественный текстиль ее авторства представляет собой визуализацию упования, выполненную в разных техниках: вышивки, плетении, живописи. Очередным результатом исследования взаимосвязи письменности и рукоделия, буквы и орнамента, звука и шрифта стала работа «Царица моя преблагая», где песнопение молитвы организует композиционное расположение, размер и формат каждого элемента.

Перекличка духовной концепции текстильной книги «Спаси и сохрани» с сакральным космогоническим содержанием легендарного апокрифа XV-XVI веков — Голубиной книгой, лежащей в основе многосложного сюжета полотна В.М. Васнецова «Спящая царевна» (1913-1917, дом-музей В.М. Васнецова), демонстрирует восстановление прерванных связей внутри нашего художественного континуума. Расширение сфер применения и интерпретации орнамента и каллиграфии все больше способствует их проникновению в повседневность, возвращая нас на собственный путь цивилизационного развития. Процессы, происходящие в современной российской культуре, представляют собой очевидный протест против манифеста австрийского архитектора Адольфа Лооса, его культового произведения «Орнамент и преступление» (1908), предопределившего дизайн и архитектуру модернизма ХХ столетия, и открывают дискуссию о том, насколько преступно его собственное произведение по отношению к самобытным культурным проявлениям, праву народов на воспроизведение тысячелетиями формировавшихся визуальных нарративов. Тем более, что технологии XXI столетия предоставляют современным творцам невиданные средства формального выражения.

Проект «Свояси» готовится к весне 2025, проект «Трын*Трава. Современный русский стиль» завершает прием заявок на осень 2024, распахнув 2 июля двери уникальной фиджитал-выставки «Природа предмета. Современный дизайн и традиции», организованной в рамках партнерского сотрудничества с Московским музеем дизайна и Государственной Третьяковской галереей, так что уже ближайшее будущее подарит нам новые произведения и новые имена мастеров, работающих на стыке традиций и новаторства.

Источники изображений:

• Проект «Свояси»
• HSE Design — Fractal Carpet Generator
• Моя Третьяковка