Александр Ларцев: «Красота сама собой не возникает, она проистекает из идеи»

«Коммуникационный дизайн и брендинг» — одно из основных направлений обучения в Школе дизайна НИУ ВШЭ, многоплановое и востребованное. Поговорив с его руководителем, дизайнером и художником Александром Ларцевым, мы узнали, почему преподавателям и студентам Школы дизайна никогда не бывает скучно, за что ценят выпускников «комдиза» на рынке труда и какая ситуация может вынудить дизайнера пойти в фитнес-инструкторы.

Дизайн сегодня — это не только красивая картинка, а, в первую очередь, выстраивание коммуникации. Всегда решается одна и та же задача — как ответить на запрос клиента или на запрос ситуации. Иногда на такой запрос отвечает книга, иногда — открытка, иногда — плакат, иногда — сайт, иногда — анимационный ролик.

Коммуникационный дизайнер должен быть сведущ во всем. Если он не может делать какую-то конкретную работу сам, то должен найти того, кто этим занимается.

Цель коммуникационного дизайнера — стать арт-директором и говорить всем остальным, что делать. Чтобы дойти до стадии арт-директора, надо понять, что происходит в профессии. Поэтому у нас есть общий базовый курс, и в первый же год происходит знакомство с большинством направлений дизайна. На втором курсе студенты более серьёзно занимаются брендингом. На третьем, больше поняв про себя, решают, на чём сфокусироваться. Это может быть книжный дизайн, моушн-дизайн, дизайн медиа, дизайн стартапов, брендинг или коммуникации, включая рекламу.

Но со всеми основными направлениями дизайна — такими как фирменный стиль, плакаты, книга, проектирование пространства, анимация, 3D-графика, маркетинг, рекламная кампания, видеопродакшн — ребята начинают работать уже на первом курсе. Для того, чтобы понять, куда им дальше двигаться при выборе специализации.

Программа придумана больше 10 лет назад и обкатана множество раз. Она построена так, чтобы первокурсники успели попробовать всё. Чтобы студенты не боялись, что они навсегда привязаны к какому-то одному направлению. Всё может поменяться. Самое главное, чтобы люди научились думать, придумывать продукт, генерировать идеи и качественно их презентовать. Это важно для любого направления.

Теперь подробнее о программе. Первый модуль — начало брендинга. Второй модуль — развитие брендинга в сторону плаката, творческий и рекламный путь. Параллельно со второго модуля студенты осваивают 3D. В третьем модуле изучают и книгу, и проектирование пространства. Пространство и книга, на самом деле, связаны друг с другом, так как и там, и там появляется темпоритмика, навигация.

В четвёртом модуле идёт ребрендинг. Возникает серьёзный бренд, привязанный к реальности. Приходится думать не только о визуальной составляющей, но и о том, для кого это, к кому обращено.

Большинство студентов работает уже на третьем курсе, на четвертом уж точно. Не на всех направлениях это так, но в коммуникационном дизайне у ребят к третьему курсу уже есть навыки, необходимые для работы. Некоторые и после первого курса работают.

Выходят, ищут вакансии. Да, сначала все в основном смотрят в сторону известных студий. Иногда мы что-то предлагаем — и студентам, и выпускникам. Они изучили всю базу, знают все программы, все способы презентации. Им, как правило, еще не хватает опыта, но на позицию джуниора встать они могут сразу.

Теоретически, можно заниматься фрилансом, но я бы не рекомендовал — это гораздо тяжелее, приходится сразу брать на себя вопросы организации бизнеса и общения с заказчиком. Лучше сначала пойти в серьезную компанию, посмотреть, как все происходит, как менеджеры общаются с клиентом, а потом уже пытаться работать самостоятельно. Иначе можно отбить у себя желание заниматься делом.

Дизайнеров у нас становится всё больше и больше с каждым годом. И трудоустраиваются все, кто хочет этим дальше заниматься. Независимо от того, как учились. Скажу крамольную вещь: возможно, у людей кардинально меняется отношение к работе, когда они выходят на рынок. Они становятся серьёзнее, понимают, что это уже не игра. Сразу ускоряется мышление. Всё, чему их учили, они в боевых условиях вспоминают. Насколько я могу судить по своим ученикам, проблем с трудоустройством ни у кого нет. Более того, ребята говорят, что когда они встраиваются в организацию, уже на что-то влияют, то начинают на появляющиеся вакансии подбирать своих. Образуются конгломераты выпускников. Выпускники Школы дизайна на рынке ценятся.

Работодатели понимают, кто к ним приходит. Берут начинающих, и арт-директора готовы в них вкладываться, потому что нужны хорошие дизайнеры, способные учиться. Проще вложиться в человека, который останется в компании, чем найти готового специалиста высокого уровня. Дизайнеров на рынке много. Но дизайнер, который будет понимать ценности конкретной компании — не универсальная история. Надо прийти на работу, встроиться. Чем больше ты работаешь, тем более незаменим. Нормально, что новички чего-то не знают. Их всему научат. Главное, чтобы был интерес к профессии — остальное приложится.

Мы ждём всех, с любым уровнем подготовки. Но желательно, чтобы люди приходили с пониманием, куда они идут. Это сократит путь вхождения в профессию.

Меня, как преподавателя, не шокирует, что человеку всё нужно рассказывать с нуля. Но лучше, если человек уже что-то пробовал — как минимум, готовил вступительный проект, сходил на наши подготовительные курсы. Мы не ждём от абитуриентов зрелого фирменного стиля, серии плакатов на том же уровне, что они видят в Pinterest. Скорее, смотрим, есть ли в человеке творческий потенциал. Работа может быть сделана неидеально, но мы видим, что есть задор, есть интерес к профессии, к визуальному, к мышлению — это гораздо важнее.

С тем, кто уже изучил весь Pinterest и знает все программы, будет, с одной стороны, проще, а с другой стороны — на первом курсе такому студенту может быть скучновато. Он будет лишь подтверждать свои навыки.

Мне как преподавателю интереснее выращивать людей в Школе, увидеть в абитуриенте, что он мыслит нестандартно, готов к экспериментам. Потому что делать стандартно он так или иначе научится. А для того, чтобы достичь вершин профессии, нужно все-таки глядеть за пределы общего хорошего дизайнерского уровня, который сейчас так или иначе сформировался. Всегда смотреть, что можно сделать сверх этого.

Мне кажется, здесь уместно вспомнить поговорку «встречают по одёжке — провожают по уму». Конечно, дизайн так или иначе судят быстро. Клиенты, мы сами на просмотрах студенческих работ, другие дизайнеры — все смотрят, «норм» или «не норм», красиво или не красиво. Никто не будет смотреть, насколько ты всё продумал, если работа изначально не захватит человека. Дальше, естественно, есть внутренность. Основная задача дизайнера — понять, что красота сама собой не возникает, она проистекает именно из структуры, из идеи.

Допустим, студент приносит мне три варианта решения задачи. Или дизайнер приносит три варианта клиенту. Какой выбрать? Возможно, какой-то вариант менее визуально эффектен, но абсолютно точно решает задачу, которая стоит перед студентом или заказчиком. Когда я вижу некое визуальное решение, всегда спрашиваю студента: «Почему так? Почему ты именно это предлагаешь?».

Я знаю, что он об этом, как правило, не думал, но отвечая на этот вопрос, начинает больше понимать, что нарисовал. Соответственно, когда мы приносим проект заказчику, ему должны до определённой степени все варианты понравиться визуально, чтобы мы могли обсуждать с ним концепцию.

Мы работаем вместе с клиентом, который лучше знает свой бизнес, чем я — это тоже очень важно понимать. У многих дизайнеров, которые только-только чему-то научились, бывает головокружение от успехов, они считают, что теперь должны научить клиента, какой дизайн красивый и правильный. На самом деле, это им надо учиться у клиента, слушать его, понимать его ценности. Если клиенту что-то не нравится, но он не может это выразить, это не значит, что у него плохой вкус — необходимо понять, почему ему это не нравится, почему не взаимодействует с теми задачами, которые он хочет решить.

От визуального мы никуда не денемся. Но оставаться на уровне визуального решения примитивно, нельзя позволять себе решать только визуальные задачи на уровне «нравится — не нравится». Это для дизайнера — путь в никуда, он очень быстро устанет и никогда не поймёт, что хорошо, что плохо, потому что у него будет одно представление, у его коллег — другое, у клиента — третье; в конце концов он заблудится и пойдёт работать фитнес-инструктором.

Нужно любить заказчика. Не задирать нос, а понимать, кто перед тобой. Всё убеждение клиента может строиться только на уважении к нему, к тому, какую задачу он решает. Можно все делать формально, на психологических приёмах, но это грозит выгоранием в профессии.

Я очень патриотично отношусь к дизайну и считаю, что дизайн в России на очень хорошем уровне. Я имел возможность наблюдать, как он рос. Наверное, если каждый раз смотреть на текущую ситуацию, можно сказать, что все делают примерно одно и то же. Но это говорит о том, что есть какое-то сообщество профессионалов, которые решили, что вот это хорошо, все будем делать так. Значит, об этом задумываются, а не делают кое-как. Даже не будучи дизайнером, можно увидеть, насколько с годами изменилась ситуация. Общий уровень, по-моему, очень хороший — во всём, что касается диджитала, да и графического дизайна тоже.

Понятно, что мы видим в основном что-то усреднённое и не видим супертрендов. Их можно увидеть только в Школе дизайна, в нашем портфолио. Поскольку для того, чтобы возникали тренды, должно быть сообщество. Сообщество я вижу у нас здесь. Вижу горящие глаза студентов, которые хотят делать лучше, горящие глаза преподавателей, готовых им помогать.

Конечно, при выходе на рынок, на работу, горящие глаза могут немного потухнуть — приходится решать более конкретные задачи и делать это быстро. Но запал сохраняется и помогает постепенно всю визуальную индустрию двигать вверх.

Очевидные преимущества Школы дизайна, во-первых, в очень крепкой базе, созданной за 13 лет, а во-вторых, это учебное пространство, которое никогда не стоит на месте, постоянно растёт, расширяя свой профиль, набор инструментов, задач — у нас никогда нет такого, что мы на чем-то остановились и довольны результатом. В следующий раз всё должно стать больше, лучше — качество проектов, их презентации. Это атмосфера кипения, которое здесь постоянно происходит.

Не буду сравнивать или гадать, происходит ли то же в других учебных заведениях, даже не особо слежу за этим — я захвачен тем, что происходит у нас внутри. А внутри очень много планов по развитию. Мне здесь не скучно, и другим преподавателям, и студентам не скучно — потому что у нас всегда есть куда расти. Нет потолка, мы его не видим.

У нас учится огромное количество талантливых студентов, работает огромное количество талантливых преподавателей, каждый год, в каждом модуле они создают огромное количество интереснейших, красивейших проектов… которые ложатся на полку. Хорошо, что такая полка есть, всё всегда можно достать и увидеть — это наше цифровое портфолио. Но мне всегда жалко, что всё это ложится, образно говоря, в стол.

Поэтому основной вектор развития — сделать так, чтобы всё, что производят студенты, как только они научились что-то делать, всё, что мы можем предложить миру, находило выход вовне. Проекты должны формулироваться таким образом, чтобы это был не фантастический стартап, а стартап, который можно пойти предложить клиенту.

Примеры этого есть. Можно зайти в наш концепт-стор при галерее и посмотреть проекты, которые реально существуют и продаются. Естественно, это не только материальные объекты, но и диджитал-проекты, предложения, стартапы.

Второй вектор развития — раскинуть наши щупальца как можно шире благодаря онлайн-технологиям. Найти не только зарубежных студентов, но и зарубежных преподавателей для наших студентов, стать глобальной организацией, чтобы, в идеале, на нас равнялись, мы были трендсеттерами в мировом дизайне.

Мы прежде всего учим дизайну, но студентам никто не запрещает — после того, как они сдали проект — пойти и предложить его реальному клиенту. Есть некоторая стена между клиентами и студентами. Она преодолевается хорошим менеджментом. Часть образовательного процесса — это работа с брифами, которые приходят либо через Лабораторию дизайна, либо студенты приносят их сами, иногда от довольно крупных заказчиков.

Основная проблема, безусловно, это менеджмент. Студенты ещё не умеют им заниматься, а преподаватели не могут заниматься менеджментом за всех студентов. Это, скорее, вопрос ресурсов. Если будет больше ресурсов для управления отношениями между студентами и клиентами, выхода на институции, работы с ними, проблемы будут решаться быстрее. Это тоже одна из зон роста — поиск способа решить эту задачу.

Но реальность демотивирует. Студенты привыкли сосредотачиваться на решении дизайн-задач, а то, как нужно общаться со взрослыми дяденьками и тётеньками из этих театров, музеев и так далее, — совсем другая история. Этому нельзя научить за два года, к сожалению. Можно научить за 10 лет, наверное, если не больше. Мне кажется, это задача не столько учебного процесса, сколько Школы вообще. Работать с этим непросто.

Попытаюсь усидеть на двух стульях между биографией и траекторией. Моя траектория такова, что я начал заниматься дизайном, а потом уже понял, что мне необходимо учиться, что не имея знаний, базы по графическому дизайну, сложно им заниматься.

Изначально я программист. В процессе создания проектов мне надо было их каким-то образом графически оформлять. Я посидел, подумал — что мне нравилось, чем я занимался, что мне может быть интересно, что у меня получится, какие у меня навыки, и понял, что навыки лежат где-то между программированием и визуальным.

Тогда в тренде была флеш-анимация. Я её изучил. Предложил одному сайту делать для них флеш-анимацию. Они сказали: «Отлично, будешь нашим дизайнером». Мне пришлось и программировать, и рисовать — интерфейсы, иконки, какие-то визуальные элементы. Я их делал и страдал, потому что у меня не было аргументов объяснить, чем хорошо то или иное решение. Или я сам этого не понимал. Получал кучу советов, с которыми я не то чтобы не был согласен, просто не понимал, чего они стоят. Чтобы помимо технических умений приобрести какую-то экспертность, я пошёл учиться. В процессе меня отнесло в сторону издания книг. Одновременно я занимался плакатами, получал призы на международных фестивалях. Из книжного дизайна я перешёл уже, скорее, в книжный арт-дирекшн. Позже, когда мне стало немного тесно в этой истории, ушел работать в департамент культуры Москвы — там мы занимались ивентами.

Потом случилось переосмысление, я понял, что помимо работы дизайнером, всегда немного занимался обучением, просвещением. Понял, что мне это интересно — и дизайн, и преподавание. Поэтому пришёл в Школу дизайна. Вот такая у меня траектория.

Да, искусство меня интересовало всегда. Когда занимался программированием, интересовался визуальной культурой. Но у меня не было на тот момент осознанного стремления делать искусство. Оно появилось, скорее, когда я занялся дизайном. Мне хотелось из дизайна вырасти, решать какие-то сверхзадачи.

Первые шаги в этой области были примерно такие же, как в дизайне. То есть мне это очень интересно, я пытаюсь, но непонятно, хорошо это или нет, кому это нужно.

У меня не было возможности много ходить по галереям, со всеми знакомиться, как-то себя продвигать. Поэтому в какой-то момент я открыл свою галерею. Пригласил художников и таким образом начал в это погружаться. Не могу сказать, что был суперпрофессиональным галеристом. Но как только у тебя появляется возможность выставлять художников, появляются художники и интерес к тебе. Мне удалось познакомиться со многими интересными людьми из мира искусства и определить своё отношение к нему.

Опять же, для того, чтобы осмыслить себя художником, нужно было больше знаний. Я продолжал заниматься творчеством, но на ощупь, не понимая до конца, что такое искусство, является ли то, что я делаю, искусством. Решил получить профессиональные знания. Пошел в аспирантуру. Помимо аспирантуры прошёл двухгодичный курс дополнительного образования по современному искусству и анализу философских систем — у нас же, в ВШЭ. Всё стало понятнее.

Сейчас, когда я занимаюсь проектами в области современного искусства, я понимаю, что это — современное искусство. У него есть концепция. Понимаю, кому это может быть интересно. Но самое главное, что я понял и мог бы, наверное, сказать себе начинающему: современное искусство институционально. Институции — галереи, музеи — признают что-либо искусством по выработанным ими критериям. Они не всегда проговорены, но если в это погрузиться, становится более или менее понятно. Самое главное, что должен осознать молодой художник, — что он сам может быть институцией. Если он понимает, по каким правилам создаёт свое искусство, если это системно, то его работа — уже часть современного искусства, реального, признаваемого. Главное, чтобы ты сам был тем музеем, галереей, в которой готов показать всё, что создал. Если эта уверенность присутствует, то ты, безусловно, современный художник.

Для меня пойти в преподавание — это было, в первую очередь, решение ощущенческое. И сейчас это область, в которой я себя чувствую наиболее реализованным. Если же говорить о преподавании вообще, то для начинающего преподавателя, каким я когда-то был, это, в первую очередь, возможность попробовать в профессии то, что тебе не предлагает заказчик. Когда делаешь со студентами проекты и погружаешься в вопросы, в которые до этого не погружался, сам развиваешься как профессионал. 

Студенту нужно сделать проект, а тебе — помочь сделать 24 проекта. Начинаешь по-другому мыслить — системно, арт-директорски. Видеть, как одну и ту же задачу можно решить 24-мя разными способами, потому что каждый студент уникален и решает её по-своему. Возможность самому попробовать разные вещи в профессии и помочь развиться и проявиться студенту, увидеть его уникальные способности, научить работать с самим собой более эффективно — это очень интересно.

Если проект — это то, что может случиться в какой-то момент, то преподавание — это ситуация, которая с тобой случается постоянно; задача, которую ты решаешь несколько раз в неделю с каждым отдельным человеком. Это интереснее, чем читать книги, смотреть сериалы и фильмы. Потому что это уникальная возможность погрузиться в другого человека и самому им на какое-то время стать.

Очень сложный вопрос. Наверное, это возможность услышать, придумать и рассказать историю. Она важна и в дизайне, и в преподавании, и в других проектах, которые я делаю. Везде должна быть какая-то история. Её надо придумать.

Среди интересов, которые у меня есть с юности, — литература. Я люблю писать, сочинять стихи. Меня привлекает возможность создать какую-то притчу (наверное, это правильное слово) — с помощью дизайна, с помощью искусства. Быть этой притчей в отношениях со студентами. Помогать им находить их истории в проектах. Это, пожалуй, самое интересное. Идеальная ситуация, к которой я стремлюсь.

Может быть, я это не проговариваю, но если анализировать то, что я делаю, всегда должна быть какая-то мысль, какая-то фраза, сентенция, которая в идеале должна взять клиента, студента, зрителя за струны внутри него, и прозвенеть. Так, чтобы он понял, что он — в том месте, где ему нужно быть и где он хочет остаться.

Любовь. Нужно любить то, чем занимаешься, найти в профессии то, что в тебе это чувство вызывает, чем ты больше любишь заниматься. На этом уровне и происходит выбор — буду заниматься книгами, моушн-дизайном, буду делать плакаты... Или перестану заниматься дизайном и пойду в искусство, потому что люблю, когда метавселенные где-то там витают.

Я люблю думать про то, что интересно клиенту, решать задачи — это уже в сторону арт-дирекшн.

Нужно понять, какая твоя нота в профессии, которую ты любишь нажимать. Если она находится, то дальше можешь заниматься чем угодно. Ты найдёшь, где в любом проекте её нажать.